Orelsan – La pluie (2018)

Il pleut, et la pluie n’est jamais seulement de l’eau : elle est l’élément qui dissout les frontières entre l’intérieur et l’extérieur, entre le rêve et la rue. Le clip s’ouvre sur des textures liquides, des surfaces mouillées qui captent la lumière artificielle des villes, comme si l’écran lui-même transpirait au rythme du morceau. OrelSan et Stromae traversent cet univers en collage, tantôt filmés en intérieur dans une lumière tamisée et domestique, tantôt happés par des extérieurs urbains où l’asphalte luit sous les néons. La photographie joue sur une palette resserrée, dominée par les bleus, les gris et les nuances mouillées, comme si toute la ville avait été plongée dans un même bain de mélancolie contenue.

La narration visuelle avance par fragments plutôt que par récit linéaire : des plans rapprochés sur les visages, des corps qui dansent ou se figent, des reflets qui dédoublent les silhouettes. Cette logique du collage, faite de ruptures et de raccords sensibles plutôt que d’enchaînements classiques, traduit à l’image l’idée d’un flux ininterrompu — celui de la pluie, mais aussi celui du temps qui passe et qu’on ne retient pas. On perçoit une tension permanente entre confinement et liberté : des espaces clos, presque suffocants, s’opposent à des échappées à ciel ouvert où les corps semblent enfin respirer, comme si le clip mettait en scène une lutte silencieuse contre l’enfermement.

Les deux artistes sur La Pluie semblent porter chacun leur propre climat intérieur, et leur rencontre à l’image agit comme une fusion de deux trajectoires qui se répondent sans jamais totalement se confondre. Il y a dans cette mise en scène quelque chose du Destin qu’on n’échappe pas : la pluie tombe, inlassable, comme une pulsation qui rythme les images autant que la chanson elle-même. L’onirisme affleure par instants, dans des plans où le réel semble se déliter légèrement, où la logique du rêve prend le pas sur celle du récit.